Por qué la ciudad de San Sebastián volverá a ser en unos pocos años un barrio de Madrid

A finales de esta década, a los turistas se les unirán miles de viajeros que llegarán todos los fines de semana en trenes AVE desde Madrid. Entonces todo cambiará, como ocurrió cuando en 1864 el rey consorte inauguró la línea Madrid-Irún.

En los últimos años San Sebastián está experimentando grandes cambios urbanísticos y económicos. Bajo la plomiza sombra del terrorismo, hasta hace una década esta ciudad costera mantenía unos equilibrios económicos y sociales muy estables. En su área metropolitana había un turismo manejable, industria y servicios propios de una rica capital de provincia. Una diversificación que permitía sostener la autonomía que demandaba su población. Esa estructura ha cambiado en la última década, cuando los equilibrios de las escalas intermedias, las nacionales, se enfrentan a los flujos de la globalización. El juego ha cambiado. Las ciudades pequeñas se encuentran hoy en una posición débil cuando se trata de captar talento e inversión fuera de sus límites en aquellos sectores en los que no están entre los mejores del mundo.

La industria vasca, que durante casi dos siglos creció gracias al mercado del resto de España, languidece cuando tiene que competir contra el resto de países de la OMC. Hoy vende calidad de vida, pero poco a poco los contratos se acaban y los jóvenes se van. Por eso San Sebastián se está centrando en aquello que da sentido a su ADN, el turismo “de calidad”. Un sector que, sin embargo, es cada vez más problemático, debido a los cambios que provoca en las ciudades.

El municipio de San Sebastián, con 180.000 habitantes, es el barrio rico de una conurbación de 430.000 habitantes que se extiende desde la frontera francesa en Irún y Fuenterrabía hasta pueblos industriales del interior como Andoáin. Un barrio rico que, sin embargo, siempre tuvo el aspecto de una ciudad mucho más grande de lo que realmente es. Pe...

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El Silo de la Diversidad.
Okuda San Miguel.
Ayuntamiento de Villanueva de los Infantes.

El singular lenguaje iconográfico de estructuras geométricas y patrones multicolores en las calles de buena parte del mundo han convertido a Okuda San Miguel en uno de los artistas más reconocidos del mundo. En su obra, multicolores arquitecturas geométricas se mezclan con formas orgánicas, cuerpos sin identidad, animales sin cabeza y símbolos que animan a la reflexión a través de piezas artísticas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de las calles.

Timothy Michael Pope es un director de vídeos musicales famoso por haber dirigido la mayor parte de los videoclips del grupo musical The Cure. Además, ha dirigido vídeos musicales para artistas como Siouxsie and the Banshees, Soft Cell, Queen, David Bowie, Neil Young entre otros.

Isabel Quintanilla (Madrid, 22 de julio de 1938 - Brunete, 24 de octubre de 2017) fue una artista visual española perteneciente al nuevo realismo español, en concreto a un grupo conocido como los Realistas madrileños.1​ La mayoría de sus pinturas son bodegones, que describen vistas y objetos sencillos de la vida cotidiana.2​ Quintanilla realizó también varios paisajes al óleo.3​

Biografía
Isabel Quintanilla nació en Madrid en 1938. Su padre fue José Antonio Quintanilla Pardo, Comandante del Ejército Republicano asesinado en el Campo de Valdenoceda (Burgos) por el régimen franquista el 28 de febrero de 1941.

En 1953, a los quince años de edad, ingresó a la Escuela Superior de Bellas Artes. Se graduó con éxito seis años más tarde, en 1959. En 1960, Quintanilla recibió una beca para hacer una pasantía de ilustración en el Instituto Beatriz Galindo. Al poco tiempo, se casó con el escultor Francisco López, con quien se mudó a Roma.

En 1982, se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Entonces comenzó clases de dibujo en un taller dictado por Trinidad de la Torre. Más tarde también tomó clases con Gutiérrez Navas y Maruxia Valero.4​

Quintanilla falleció en octubre de 2017, en su residencia de Brunete, un año después de que se celebrara en el Museo Thyssen de Madrid una exposición titulada Realistas de Madrid, entre febrero y mayo de 2016. Allí se mostraron varios de sus cuadros.

Sara Barquinero del Toro (Zaragoza, 1994) es una filósofa y escritora española.

Biografía y trayectoria

Desde temprana edad Barquinero tuvo interés por las letras y las artes. Decidió estudiar filosofía y se licenció en la Universidad de Zaragoza. Después se trasladó a Madrid, donde realizó un Máster de Escritura Creativa y Creación Literaria en la Escuela de Letras Hotel Kafka.1​

En 2018, el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón le concedió la Beca Luis Buñuel2​ que le permitió investigar y desarrollar sus creaciones en la Residencia de Estudiantes de Madrid.3​

Dentro del programa FPU (Formación del Profesorado Universitario) en Filosofía del grupo Metafísica, Crítica y Política de la Universidad Complutense de Madrid, inició su tesis doctoral en 2017, sobre el concepto de lo sublime en Kant y las relaciones de tiempo y libertad, que lleva por título Las lecturas políticas contemporáneas de la Crítica del Juicio.4​2​

Creó el proyecto artístico Siebaruaq basado en tres tipos de trabajos: fanzines, caligramas y objetos literarios. Además explora diferentes técnicas, como el collage, el dictionary art y el esbozo.3​

Como Siebaruaq participa en diversos eventos de activismo artístico5​ y también pertenece al Colectivo de Artistas en Acción Solidaria de Aragón, cuyo fin es utilizar el arte como medio de expresión y visibilizar las injusticias y las inquietudes del momento para contribuir al bien común.6​ Colabora con la revista Kalos, de arte y cultura aragonesa.2​

Como poeta, recibió en 2019 el premio Voces Nuevas de poesía de la Editorial Torremozas, especializada en la literatura escrita por mujeres, principalmente enfocada a la poesía, relato corto o ensayo y en el rescate de autoras olvidadas o poco conocidas fuera de su país.7​

En 2020 publicó Terminal, una obra que combina el teatro y la novela, y donde la autora dice de...

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Neville Chamberlain charla con Mussolini, en el extremo derecho aparece Ciano

La ejecución del Conde Ciano

Hace justo 80 años Mussolini fusiló por traidor a su yerno, el Conde Ciano, el personaje más poderoso del fascismo

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Raúl Quinto novela en ‘Martinete de Rey Sombra’ uno de los episodios más olvidados y vergonzosos de nuestra historia.

Locura, soledad y muerte son los parámetros por los que se mueve esta historia. Un relato que nos habla del brillo negro del poder y la gloria (y de sus consecuencias). El escritor Raul Quinto, quien ya nos había sorprendido con La canción de NOF4 (Jelyll & Jill, 2021), vuelve ahora con una novela donde recupera las huellas semiborradas de un episodio lleno de sombras y olvido, y uno de los momentos más vergonzosos de nuestra historia: la mayor redada contra la población gitana de toda la negra historia de los gitanos de Europa, sucedida el 30 de julio de 1749 y que supuso el encarcelamiento de unos 9.000 gitanos (2.000 en la primera noche y 7.000 durante el mes que le sigue). Un proyecto ideado por el Marqués de la Ensenada y que contaba con la aquiescencia de Fernando VI, «el rey por fin español» y destinado a renovar la grandeza perdida de España, convencido de que «la paz sigue siendo el camino más seguro para poder ganar la guerra» y con la venia vaticana de Benedicto XIV, «el amigo de la sabiduría, las universidades y la razón ilustrada».

En capítulos vertiginosos y zigzagueantes, con una voz profética, mayestática y oracular hilvana Raul Quinto una prosa hipnótica que nos conduce, como la música del infierno, al desastre. Así, Martinete del Rey Sombra, que acaba de recibir el premio Cálamo, no solo nos habla de ese hecho negro en nuestra historia, la Gran Redada, sino que traza una historia del pueblo gitano y, al tiempo, sigue las andanzas vitales de Fernando VI, su reinado y su vida en la corte. Con ello, Quinto establece nexos con el pasado y la historia remota no solo de España, sino del pueblo gitano, y los ecos de todo ello los puede reconocer el lector actual en el presente: nepotismo, racismo, incompetencia, chapucería, locura y ambición, y las terribles consecuencias de la ceguera que conlleva la búsqueda insensata del di...

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«Además de producir cosas hermosas, la pasión rectora de mi vida ha sido y sigue siendo el odio a la civilización moderna»

Cómo me hice socialista, William Morris (1894)

William Morris es una figura histórica tan fascinante como poco conocida. Reseñar su variado currículo puede dar una idea aproximada del alcance de sus inquietudes y de por qué es interesante recuperarlo aún hoy. Morris es recordado -y ampliamente reconocido- por su faceta de diseñador en tanto que miembro destacado del Arts and Crafts Movement, que atravesó la segunda mitad del siglo XIX en Inglaterra y que tenía entre sus propósitos reivindicar el trabajo artesanal con materiales sencillos, en el que concepción y producción (arte y oficio) fuesen unidos, frente al industrialismo triunfante de la era victoriana y sus funestas consecuencias en la vida de las gentes.

Sin embargo, William Morris fue mucho más que el decorador de los motivos florales de inspiración medieval que tanto gustaban a la burguesía media-alta de su época. Fue, al mismo tiempo, un poeta tempranamente reconocido por The Earthly Paradise (1868-1870); fue un embelesado traductor de las sagas nórdicas islandesas, pero también de Homero y Virgilio; fue un novelista interesante, cuya utopía Noticias desde ninguna parte (1890) es de las más hermosas del género; fue pintor, aunque apenas se conserva un lienzo al óleo de su mano; creó una imprenta, la Kelmscott Press, en la que, acorde con su ideario, se implicó activamente en todo el proceso de producción, haciendo labores incluso de tipógrafo; y fue, en fin, un activista social y político tenaz e incansable, primero preocupado por la conservación de los edificios antiguos, luego abrazando la causa del socialismo, ideal político que, según creía, haría posible las condiciones para el desarrollo integral de las personas, entonces reducidas a meras máquinas, alienadas y embrutecidas en el sistema fabril que ni siquiera perseguía «la producción de bienes sino la de ben...

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En algún lugar de California este verano, cientos de ingenieros de OpenAI asistieron a un extraño ritual. El científico jefe de la empresa, Ilya Sutskever, encargó a un artista local esculpir una figura de madera que simbolizase las amenazas existenciales de la IA. Sutskever se llevó la efigie al evento, la plantó delante de los atónitos empleados y le prendió fuego. Era su forma de escenificar el compromiso de OpenAI con la seguridad: la empresa jamás pondría en riesgo a la humanidad con su tecnología. Nadie imaginaba en ese momento que Sutskever se convertiría meses después en el impulsor del despido de Sam Altman al frente de OpenAI. Altman, triunfal, ha ganado el pulso, pero tanto el episodio de la hoguera improvisada como lo ocurrido esta semana en OpenAI reflejan el arranque de una guerra mucho más amplia por el control de la inteligencia artificial. Bienvenidos a la batalla entre bandos rivales que va a definir el futuro (y nuestras vidas). El arrebato pirómano de Sutskever, narrado por varios empleados a The Atlantic, define muy bien el primero de estos bandos en liza. Se compone de un grupo heterogéneo de científicos, ingenieros, académicos y filósofos que defienden un desarrollo de la IA pausado y regulado, acotado por medidas de seguridad que eviten que esta tecnología se acabe convirtiendo en un riesgo para la humanidad. Suena a serie distópica de Netflix, pero algunas de las mentes más brillantes de este planeta están convencidas de que, si no se toman las precauciones necesarias, la IA se puede convertir en un nuevo tipo de "bomba nuclear" capaz de destruirnos. Una de las figuras más destacadas de este movimiento es el británico Geoffrey Hinton, considerado uno de los padres de la IA. Hinton abandonó en mayo su puesto en Google para hablar con libertad de los peligros de esta tecnología. "Nos movemos a un periodo en el que, por primera vez, podemos tener cosas más inteligentes que nosotros. [...] Si pudiéramos detener a la IA cuando quisiéramos [para qu...

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Picasso en Gósol: los 80 días que cambiaron la historia del arte

Una exposición en el Reina Sofía retrata cómo el viaje a una pequeña localidad catalana sacó al pintor de su bloqueo artístico y marcó el inicio del modernismo.

El verano de 1906, un joven Pablo Ruiz Picasso de 24 años viajó con Fernande Olivier a Gósol, un pueblo entonces remoto al pie del Cadí, al que solo se podía llegar tras ocho horas en mula montaña arriba. En menos de tres meses llegó a crear más de trescientas piezas –entre óleos, acuarelas y dibujos–, algunas de las cuales hoy se ven como precedentes directos de la que quizá es la obra más transformadora del siglo XX: Las señoritas de Aviñón, que pintó de vuelta a París y que lo convirtió, ahora sí, en un reconocidísimo artista.