 Hoy es hoy y «esto» no, «esto» es ayer, por lo que no me exijo coherencia ni precisión; y recordar a todos que los hechos pierden su categoría "real" en el preciso instante de pasar al archivo del pasado... Sí, el archivo que todo lo contiene, todo subsumido en una solución de los tres o cuatro elementos fundamentales y colocado al azar en compartimentos intercambiables y donde nadie se ocupa del registro y, de existir tal cargo, el de archivador diplomado, de existir no quepa duda a nadie que el proceso de selección ha sido presidido por algún psicópata de los muchos que están afiliados a un selecto club, al mío, al club de la humanidad extinta.
Ayer, miércoles en reserva de mendis, montes, muelas, lomas y naturalezas inhóspitas, las actividades inscritas en el rango físico las dejamos en segundo plano, como esas aplicaciones misteriosas que se usan poco pero siempre están activas, atentas a cualquier oportunidad interesante; ayer las actividades que se hicieron predominantes tuvieron como eje central la concentración, la improvisación y la determinación. Sí, me dieron las siete de la tarde, cuando ya el sol había abandonado nuestra vega ribereña y sus destellos iluminaban las nubes del Oeste con unas tonalidades amarillentas hipnóticas -alguna instantánea tiré, con resultados mediocres, y más tarde eliminé-, cuando levanté la vista de la pantalla de cristal y relajé ambas manos mi perspicacia dio por finalizada la magna obra que en estilo «Detallismo Singular» llevaba construyendo desde un acumulado de horas cercano a la media centena. El esfuerzo había merecido la pena; pero... El «pero» era que un detalle central de la obra deshacía como azucarillo en leche caliente la sensación de triunfo y transformaba el placer en satisfacción fútil, y todo por un momento en los inicios titubeantes, cuando al personaje central le coloqué en la mano izquierda algo que quería ser
3 Deseo y destino:
Lo woke, el ocaso de la cultura y la victoria de lo kitsch  David Rieff: «Hay que entender lo ‘woke’ dentro de la victoria absoluta del capitalismo»
El intelectual estadounidense acaba de publicar un libro esencial para entender la decadencia de Occidente
David Rieff es uno de los intelectuales más importantes del mundo. Hijo de Susan Sontag —a cuya agonía y muerte dedicó un libro inolvidable, Un mar de muerte: recuerdos de un hijo— y de Philip Rieff, destacado sociólogo y crítico cultural norteamericano, Rieff reúne armónicamente en su obra la mirada crítica, casi despiadada, de Sontag con la capacidad de comprender estructuras complejas heredada de su padre. Pensador a contracorriente, ha escrito a favor del olvido y contra la obligación de una memoria colectiva (como en Contra la memoria), y ha explicado el daño que hacen las ONG a las posibilidades de desarrollo en el Tercer Mundo (El sueño humanitario). Referente mundial en la lucha contra los crímenes de guerra —como demuestra su implicación en la defensa de Bosnia ante la invasión serbia, o de Ucrania frente a la invasión rusa—, Rieff es también un referente en la defensa de los exiliados. Cosmopolita, conoce a fondo la realidad francesa e iberoamericana, y por ello esta conversación ha sido posible realizarla en español. David Rieff acaba de publicar en Debate un libro esencial para entender el universo woke y la decadencia de Occidente, que ha titulado provocadoramente Deseo y destino.
P.- Dices en tu libro que el universo woke tiene cuatro antecedentes: uno, el comunismo en su faceta de búsqueda del Hombre Nuevo; otro, la abolición del pasado durante la Revolución Cultural china. Un tercer elemento es la idealización, un poco a la manera de Rousseau, del primitivo, del buen salvaje, del espíritu de la tribu idealizado. Y, por último —que quizá se desprende de Freud—, lo que tiene que ver con el triunfo del yo y lo subjetivo. ¿Cómo se combina algo colectivo, como sería el Hombre Nuevo o la Revolución Cultural en su vertiente c...leer más |
#woke - #wokismo - #kitsch - #libro - #paraleer - #entrevista - #davidrieff - #pendiente
4 Hendrick Avercampmiércoles, 14 de enero de 2026  Hendrick Avercamp fue un pintor y dibujante holandés del barroco, nacido en Ámsterdam en enero de 1585 y fallecido el 15 de mayo de 1634 en Kampen. Es considerado el máximo exponente del paisaje invernal en la pintura holandesa del siglo XVII. Avercamp era conocido como «el mudo de Kampen» porque era sordomudo.
Avercamp fue un pintor de la escuela holandesa del siglo XVII, especializado en paisajes y escenas de invierno, principalmente en los alrededores de Kampen y el río IJssel. Sus cuadros, vivos y coloridos, en formatos reducidos y variados, representan a personajes de todas las clases sociales en sus actividades cotidianas y juegos sobre el hielo. Es considerado un gran observador, con especial atención a los efectos de la luz invernal y el detallismo narrativo, aunque es probable que no visitara muchos de los lugares que representaba.
Pintó principalmente escenas invernales, así como acuarelas con campesinos y pescadores. Muchas de estas obras se conservan en la Colección Real británica.
Sus primeras obras muestran una clara influencia de Pieter Bruegel el Viejo, con detalles narrativos dentro de la tradición flamenca, como figuras en actitudes humorísticas o cotidianas. Utilizaba elementos compositivos característicos de Bruegel, como la perspectiva a vista de pájaro, horizontes altos, árboles grandes y desnudos con aves posadas, así como una progresión espacial muy marcada. Mostró además un refinado sentido del color, con uso deliberado de rosas, rojos, blancos, negros, amarillos y verdes para lograr efectos sutiles.
Sus obras datan de 1608 a 1632 y muestran pocos cambios estilísticos. Las primeras tienen un estilo más flamenco, influido por Bruegel, que Avercamp consolidó y mantuvo con éxito durante el resto de su carrera.
Probablemente se inspiró en aguafuertes de Hieronymus Cock (1507–1570), basados en diseños del Maestro de los Pequeños Paisajes y publicados en Amberes en 1559–1561, reeditados en 1601 por Theodor Gal... leer más |
#pintura - #paisesbajos - #flandes - #holanda - #flamenco - #invierno
5 Ana Maltadomingo, 28 de diciembre de 2025  En apenas unos años, Ana Malta se ha colocado como una de las figuras revelación de las ferias de arte de nuestro país. Como parte de nuestra selección de artistas emergentes, hablamos con la artista portuguesa para descubrir cómo llegó hasta su estilo colorido y lo que persigue con la construcción de su universo.
Ana Malta (Lisboa, 1996) es una artista visual que estudió Pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Al contemplar una obra de Ana Malta, lo primero que resalta es el color: vibrante, variado, lleno de vida y caos. El color se convierte en el protagonista de su trabajo, reflejando su técnica basada en la improvisación. La artista trabaja sin preparación previa, dejando que sus emociones guíen el proceso creativo, lo que da lugar a obras únicas y auténticas.
La artista trabaja con temas cotidianos, abordándolos con un enfoque socialmente crítico. La mayoría de sus pinturas se caracterizan por la energía y libertad en la aplicación del color y la expresión, especialmente en sus lienzos de gran formato. Su trabajo es impulsivo y lleno de vida, Malta describe su proceso creativo como un diálogo entre la inquietud emocional y la estética, encontrando belleza en el caos. A través del estudio del color, patrones, composiciones y materiales, la artista juega con su inconsciente plástico y visual, transformando sus emociones en una obra que nos traspasa y nos llena de luz. |
#pintura - #contemporaneo - #portugal
6 Haruki Murakami
WikiZjueves, 18 de diciembre de 2025  Haruki Murakami no le teme a la oscuridad
El autor, quien dio proyección mundial a la literatura japonesa, reflexiona sobre el envejecimiento y su lugar en el mundo de las letras.
Cuando Haruki Murakami se sienta a escribir, no tiene idea de lo que va a pasar.
Esta parece una confesión sorprendente para un novelista experimentado, sobre todo tratándose de un icono literario mundial que ha escrito más de 40 libros y vendido decenas de millones de ejemplares en decenas de idiomas. Y sin embargo, después de casi medio siglo de carrera, el proceso creativo de Murakami sigue siendo un misterio, incluso para él.
“No tengo ningún plan; solo escribo, y mientras escribo, pasan cosas extrañas de manera muy natural, muy automática”, explicó Murakami en diciembre durante una entrevista en Nueva York.
“Cada vez que escribo ficción, me adentro en otro mundo —tal vez se le pueda llamar subconsciente—, y en ese mundo puede pasar cualquier cosa”, continuó. “Veo muchas cosas ahí, y luego regreso a este mundo real para escribirlas”.
Murakami no se considera un prosista ni tampoco un narrador brillante. Para él, su única habilidad es su capacidad singular para viajar entre mundos y volver para contarlo.
“No creo ser precisamente un artista. Creo que soy un tipo normal”, dijo. “No soy un genio y no soy tan inteligente, pero puedo hacer eso; puedo descender a ese mundo”.
Murakami y yo nos reunimos en un cavernoso bar subterráneo de cócteles en un hotel de la zona de Midtown, en Manhattan, un escenario que se sentía extrañamente apropiado, dada su afinidad por las cuevas y los túneles, un motivo recurrente en su obra. A las 10 a. m., el lugar estaba inquietantemente vacío. Patrones geométricos de luz jugaban en la pared.
Vestido de modo informal con una sudadera con capucha y calzado deportivo, Murakami parecía estar en su elemento en medio de la penumbra. Estaba casi inmóvil en su asiento —a veces su mirada se desvia...leer más |
#murakami - #wikiZ - #tokioblues - #pajarodacuerda - #alsurdelafrontera - #afterdark - #elefantedesaparece - #pendiente
7 El Museo del Prado rescata la figura de Mengsdomingo, 07 de diciembre de 2025  Antonio Raphael Mengs nació para ser recordado y con la sombra de la grandeza pisándole los talones desde niño. Su paso por el mundo durante el Siglo de las Luces dejó una huella decisiva, pues sentó las bases de una corriente artística entera, aunque los siglos venideros no le hicieron suficiente justicia a su nombre.
Vivió su juventud entre Dresde y Roma bajo la estricta educación de su padre -un pintor de la corte sajona-, y fue un artista muy solicitado en varias cortes europeas, convirtiéndose en el pintor oficial de Carlos III. Entre lujos, alabanzas, estetas, filosofías y una mirada permanente hacia el maestro renacentista Rafael -a quien admiró y trató de igualar durante toda su vida- Mengs se aseguró un lugar distintivo entre los grandes, sin importar los costes ni las consecuencias.
Sin embargo, su personalidad atormentada, huraña y altiva y su lengua afilada le granjearon unos cuantos enemigos en vida y también después de la muerte, lo que contribuiría a su caída parcial en el olvido durante los dos siglos siguientes, siendo relegado a las menciones superficiales en los manuales de historia del arte.
Consciente de su talento y blindado por la admiración y el reconocimiento, Mengs se tomó muchas licencias para con otros artistas. Su relación con el pintor italiano Tiepolo -con el que coincidió en la corte de Madrid- estuvo marcada por la competitividad y el desprecio, y tampoco tuvo reparos a la hora de criticar las obras de Velázquez y Murillo.
Pero su polémica más jugosa se dio dentro de su amistad con el erudito Winckelmann. Juntos sentaron las bases del Neoclasicismo y abogaron por el regreso a la estética de la Antigüedad, la admiración de la estatuaria clásica y su posicionamiento como centro del canon, de la belleza ideal y la creación artística moderna. Winckelmann es considerado como el padre fundador de la historia del arte y la arqueología moderna, pero lo que primero fue una relación de amistad e intelectualismo se co... leer más |
#pintura - #imperio - #españa - #carlosIII - #mengs - #Winckelmann
8 Emory Douglassábado, 06 de diciembre de 2025  Emory Douglas es el artista más reconocido y reconocible del Black Power, movimiento que durante los años 60 y 70 exigió la igualdad de derechos para la raza negra en los Estados Unidos. También fue un activista de los movimientos sociales de la época, transmitiendo de forma excelente sus ideas a potentes imágenes.
Desde joven Douglas se sintió atraído por el activismo político y social. De adolescente fue encarcelado y ahí empezó su contacto con el diseño al trabajar en las imprentas de la prisión.
Douglas fue Ministro de Cultura en el Black Panther Party (Partido de los Panteras Negras) y participó activamente en sus órganos de propaganda como principal director de arte, diseñador e ilustrador, creando verdaderos iconos visuales.
Una época de revoluciones como los años 60 y 70 estaba marcada también claramente por una revolución visual y artistas como Emory Douglas quisieron ante todo transmitir un mensaje mediante imágenes reconocibles (una fuente clara de imágenes fue la cultura popular, por lo que no sería descabellado englobar a Emory Douglas dentro del Pop-Art, como crítica feroz al capitalismo, aunque sin ningún tipo de ambigüedad en cuanto a conceptos ideológicos, algo con lo qur jugaba el movimiento).
El estilo de Douglas se caracteriza por su colorido y en cuanto a soporte utilizó diversas técnicas, desde la más gráfica al collage, con imágenes en las que mostraba de forma muy subversiva escenas violentas de brutalidad policial (sus policías cerdos son icónicos), lucha de clases, racismo en la sociedad, dignidad del tercer mundo o los 10 Puntos de los Panteras, que incluía servicios sociales y vivienda digna para todo el mundo (blanco o negro).
Douglas comprendió a la perfección el poder de las imágenes para comunicar ideas y logró construir una mitología visual del poder para los marginados e injustamente tratados. Muchos lo consideraron el Norman Rockwell del gueto y si no fuera por él muy probablemente no tendríamos a ... leer más |
#eeuu - #comunismo - #negros - #panterasnegras - #BlackPantherParty
9 Van der Graaf Generatormiércoles, 03 de diciembre de 2025  {de la wiki}
Van der Graaf Generator es un grupo de música del rock progresivo inglés de los años 1970. Fueron los primeros artistas que firmaron para la compañía Charisma Records. La banda alcanzó un considerable éxito en Italia y es considerada un grupo de culto.
Las principales características de Van der Graaf Generator (VdGG) eran la combinación de la voz dinámica de Peter Hammill y los saxofones tratados electrónicamente de David Jackson, generalmente sobre pistas de diversas clases de teclados (como el órgano Hammond o el clavinet de Hohner). Los discos de VdGG tendieron a ser de una atmósfera más oscura que otros grupos de música progresiva (un título que compartieron con King Crimson, cuyo guitarrista, Robert Fripp, aparece en dos de sus álbumes), aunque los solos de guitarra son una excepción en vez de una regla.
Hammill era el principal letrista del grupo y, a menudo, la línea entre la música escrita para su carrera de solista y para su banda era difusa.
El nombre del grupo está basado en un equipo eléctrico diseñado para producir electricidad estática, el Generador de Van de Graaff. El nombre fue sugerido por uno de los primeros miembros del grupo, Chris Judge Smith. El error ortográfico fue accidental. |
#progresivo - #sinfonico
10 Airmartes, 02 de diciembre de 2025  {de la wiki}
Air es una banda francesa de música electrónica, compuesta por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. La banda se formó en 1995. Han sido altamente aclamados por la crítica, especialmente con su primer LP, llamado Moon Safari.
Aunque Air es considerada una banda de música electrónica o downtempo, realmente su sonido se basa en sonidos de sintetizadores de artistas de la década de los 70, como Jean-Michel Jarre y Vangelis. Otras influencias citan a la banda psicodélica Pink Floyd, los músicos de Krautrock Tangerine Dream y el músico francés Serge Gainsbourg. Ocasionalmente incluyen toques de jazz.
Historia
Antes de que formaran Air, J. B. y Nicolas tocaron juntos en la banda Orange, con otros músicos, como Alex Gopher, Xavier Jamaux y Etienne de Crécy (músicos que también han reaparecido en remixes de Air).
Con su álbum Moon Safari, de 1998, se dieron a conocer a todo el mundo de una forma fresca y novedosa. Significó todo un éxito de público y críticos. Desde entonces sus singles no han sido numerosos, pero sí acertados, como Kelly Watch the Stars.
Luego, en el año 2000, compusieron la banda sonora de la película de Sofia Coppola Las vírgenes suicidas, creando una atmósfera muy acorde con el tema del film.
Su siguiente álbum, 10,000 Hz Legend, sacado en el 2001, se acerca más al pop-electrónico que a las atmósferas ambiente que reinaban en su primer larga duración; este trabajo les valió severas críticas y no fue muy aceptado por el público y los expertos musicales.
Luego de la mala recepción de 10,000 Hz Legend, el dúo francés Air recuperó la inspiración y el espíritu de ese primer trabajo, regresaron con la misma fórmula de su primer éxito, melodías pop con el tratamiento exquisito de una electrónica que se podría denominar soft o low, alejándose de la experimentación herziana.
En el 2004 salió a la luz Talkie Walkie, cálido y melancólico sin ser presuntuoso; las diez canciones están llenas ...leer más |
#francia - #electronica
|
