Haruki Murakami no le teme a la oscuridad

El autor, quien dio proyección mundial a la literatura japonesa, reflexiona sobre el envejecimiento y su lugar en el mundo de las letras.

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Emory Douglas es el artista más reconocido y reconocible del Black Power, movimiento que durante los años 60 y 70 exigió la igualdad de derechos para la raza negra en los Estados Unidos. También fue un activista de los movimientos sociales de la época, transmitiendo de forma excelente sus ideas a potentes imágenes.

Desde joven Douglas se sintió atraído por el activismo político y social. De adolescente fue encarcelado y ahí empezó su contacto con el diseño al trabajar en las imprentas de la prisión.

Douglas fue Ministro de Cultura en el Black Panther Party (Partido de los Panteras Negras) y participó activamente en sus órganos de propaganda como principal director de arte, diseñador e ilustrador, creando verdaderos iconos visuales.

Una época de revoluciones como los años 60 y 70 estaba marcada también claramente por una revolución visual y artistas como Emory Douglas quisieron ante todo transmitir un mensaje mediante imágenes reconocibles (una fuente clara de imágenes fue la cultura popular, por lo que no sería descabellado englobar a Emory Douglas dentro del Pop-Art, como crítica feroz al capitalismo, aunque sin ningún tipo de ambigüedad en cuanto a conceptos ideológicos, algo con lo qur jugaba el movimiento).

El estilo de Douglas se caracteriza por su colorido y en cuanto a soporte utilizó diversas técnicas, desde la más gráfica al collage, con imágenes en las que mostraba de forma muy subversiva escenas violentas de brutalidad policial (sus policías cerdos son icónicos), lucha de clases, racismo en la sociedad, dignidad del tercer mundo o los 10 Puntos de los Panteras, que incluía servicios sociales y vivienda digna para todo el mundo (blanco o negro).

Douglas comprendió a la perfección el poder de las imágenes para comunicar ideas y logró construir una mitología visual del poder para los marginados e injustamente tratados. Muchos lo consideraron el Norman Rockwell del gueto y si no fuera por él muy probablemente no tendríamos a ...

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Pudo haber sido muchas cosas. Desde pintor hasta torero, pero también actor y profesor. Pasó a la historia como ilustrador, dibujante y caricaturista. Sus pinceladas polifacéticas le llevaron primero a la sátira política de la época y el retrato minucioso y respetuoso de los bajos fondos de la capital; después su arte estuvo al servicio de la causa republicana, por lo que terminó condenado a muerte en 1939 tras el triunfo de los franquistas; y terminó como creador de no pocas imágenes publicitarias. El Museo ABC exhibe hasta el 31 de julio la muestra titulada Madrid en su Tinta. José Robledano (1884-1974), donde más de 80 obras originales dan buena cuenta de la fértil obra de este artista enamorado de la ciudad que le vio nacer y morir.

El historiador del arte Felipe Hernández Cava ha comisariado la exposición. Este experto recalca que uno de los objetivos de la muestra es desterrar algunos lugares comunes que acompañan a la figura de Robledano: “Siempre se dice que fue el dibujante de los barrios bajos de Madrid. Es cierto que se sintió muy próximo a la gente marginal y a los suburbios, les dibujó en muchas ocasiones, pero también era un tipo que se movía con cierta soltura en los ambientes de la clase alta y la burguesía, incluso con la aristocracia, con la que tenía relación”.

Esos dos Robledanos se dan la mano en esta exhibición cuyas obras proceden de la colección ABC, la Fundación Pablo Iglesias, el Museo de Historia de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo y de colecciones privadas. El joven, que lucía gorra madrileña y capa, y estaba entre los golfantes, como dice Hernández, no era otro que el mismo Robledano que vestía un buen chaqué y departía con duques y duquesas sin ningún tipo de problema. Sus inicios en la pintura llegaron pronto. Cuando tenía unos 16 años, ya comenzó a aproximarse a algunos de los pintores más importantes de su tiempo, como Muñoz Degrain y Santiago Rusiñol. “Se identificó sobre todo con compañeros que quisieron modifi...

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[de la wiki]
Henry Darger (abril de 1892 - abril de 1973) fue un escritor e ilustrador estadounidense de carácter reclusivo que vivió como un desconocido en Chicago trabajando en la limpieza. Su mayor logro fue un manuscrito fantástico de 15.143 páginas titulado La Historia de las Vivians, en lo que se conoce como Los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la Rebelión de los Niños Esclavos, junto con una serie de varios cientos de acuarelas y dibujos que servían como ilustración a dicha historia. Descubierta tras su muerte, la obra de Darger se ha convertido en uno de los ejemplos más sobresalientes de arte marginal.
[fin de la wiki]
Las Vivian Girls, ilustradas con cientos de acuarelas de gran tamaño y dibujos y collages más pequeños, son siete hermanas preadolescentes, princesas, a veces representadas como hermafroditas, que luchan contra las malas acciones perpetradas por adultos sádicos y, en última instancia, las superan. En sus batallas, reciben la ayuda de varios ejércitos cristianos y también de Blengins, animales parecidos a dragones, temibles y apacibles, que son los protectores absolutos de los niños. Las ilustraciones varían desde la calma y el pastoreo hasta la brutal violencia.

Darger aparentemente no estaba satisfecho con su capacidad para dibujar la forma humana, por lo que utilizó calcos de figuras de periódicos, cómics y fotografías de revistas para ilustrar a sus heroínas, compilando un diccionario gestual que utilizó una y otra vez.

Sobre mí

Ilustradora, dibujante y diseñadora gráfica, recibió formación académica en la Escuela de Arte de Madrid, ESDIP, recinto donde obtuvo el grado como licenciada en Ilustración y Cómic, perfil que se ve enriquecido con su paso por la Escuela Profesional de Nuevas Tecnologías en la que suma a su visión la experiencia del Diseño Gráfico.

Su trabajo se centra en la ilustración, la pintura y el dibujo, disciplinas que convergen en su obra y que fueron plasmados previamente en su primera exposición “Momentos”, colección de ilustraciones hechas a grafito que se originan a partir de sentimientos y sueños cotidianos.

En agosto de 2019 realiza su segunda exposición individual en Ciudad de Mexico titulada Caos Mágico, un viaje por la gran metrópoli y sus alcaldías. Una representación de la grandeza de la urbe, de su arquitectura, de su vegetación, de las historias que descubres en sus calles, de su folclore y de todo aquello que te sorprende.

En noviembre de 2019, exposición colectiva en el Museo de la Ciudad de México, Pintar la ciudad, la ciudad pintada. Exposición que reúne la mirada de 26 artistas plásticos de diferentes generaciones que han tomado la Ciudad de México como un eje temático primordial de su obra pictórica.

Acaba de publicar su primer libro ilustrado “Artísticamente - Grace Kelly y Frank Lloyd Wright” (editorial Galobart).

En febrero de 2020, participa en la feria del arte, Bada MX en la Ciudad de México. La feria se presenta como un espacio de encuentro donde 100 artistas, consagrados y emergentes, tienen la oportunidad de conectarse directamente con el público de una manera fácil y directa y sin intermediarios.

Luis Siret y Cels (Sint-Niklaas-Waas, Flandes, Bélgica, 26 de agosto de 1860 – Las Herrerías, Almería, España, 7 de junio de 1934), fue un arqueólogo e ilustrador belga.

Luis Siret es considerado el padre del Museo de Almería.1​ En 1881 llegó a Almería con su hermano Enrique Siret para trabajar como ingeniero de minas.1​ Durante sus primeros años desarrolló una gran actividad arqueológica, excavando y estudiando yacimientos que sirvieron para montar la primera secuencia prehistórica del sur de la Península.1​ Descubrió el yacimiento de Los Millares, El Argar, Villaricos, etc.

Durante cincuenta años, con la ayuda de su hermano los seis primeros años y de su excavador, Pedro Flores, Siret investiga yacimientos paleolíticos, neolíticos, calcolíticos y del bronce en Campos, Tres Cabezos, Fuente Álamo, Fuente Bermeja, Lugarico Viejo, Gatas, El Oficio, Cuartillas, Fonelas, Zájara, Ifre, Parazuelos, Zapata, La Pernera, Mojácar, Almizaraque, El Palacés, El Argar, La Gerundia, El Gárcel, Los Millares, así como en varias cuevas (cueva Perneras, cueva de los Toyos, etc.) y en un yacimiento de la época de las colonizaciones púnicas y romanas con numerosas tumbas: Villaricos.

Ecléctico por encima de todo, así se define Asis Percales, un joven creador de Granada afincado en Barcelona. Él define su imaginario personal como una mezcla de circo, religión, tatuajes, cultura popular y cómic, pero nosotros añadimos, además, sentido del humor y vitalidad, y es que su obra no deja indiferente a nadie. Los formatos en los que trabaja son de lo más variado, desde pequeñas ilustraciones hasta grandes murales, pasando por cerámica, textil y hasta tablas de surf, no le teme a nada.

De Granada a lo más alto, es el destino de este ilustrador andaluz que sabe mezclar como nadie el barroquismo con las tendencias pop actuales.

Circo, tatuajes y hasta iconografía religiosa… una mezcla variopinta que Asis Percales consigue transformar en coloridas creaciones que nos conquistaron desde un primer momento. La frescura de su obra se traduce en obras que no dejan a nadie indiferente.

Hoy conocemos el portfolio de este ilustrador conceptual procedente de Brastislava, Eslovaquia. Su trabajo suele estar inspirado en la historia, el pasado, las batallas navales y contiendas históricas, también se interesa por la tecnología y las aventuras espaciales. Sus trabajos reflejan una increíble técnica y uso del color con una gran cantidad de detalles milimétricos que hacen de cada una de sus piezas algo único.