El suelo de la casa-estudio de Alfredo Alcain es testigo de su creación. Es de baldosas hidráulicas, con estampados tradicionales castizos como los escaparates que tanto le gustaba inmortalizar. Un suelo que accidentalmente ha hecho suyo y que ahora está repleto de gotas de pintura. Los motivos en el suelo de otra de las estancias se pueden reconocer en uno de sus bodegones; uno construido como en bajo relieve y cuyas frutas brillantes parecen resbalar más allá del marco. Porque para un artista como Alcain, la creatividad se encuentra hasta en lo más cotidiano: en el cartel de un comercio tradicional, en los motivos de un papel pintado, en un objeto encontrado en la calle e incluso en los restos de madera sobrante tras otras de sus creaciones.

Casi 160 piezas dan forma a la gran retrospectiva con la que la sala Alcalá 31 le rinde homenaje. La exposición reúne pinturas, esculturas, collages y dibujos que permiten recorrer toda una vida entregada al arte y la creación. Incluye además una pieza audiovisual dedicada a un altar que el artista instaló en 1970, en el Museo de Arte Contemporáneo Vicente Aguilera Cerni, en Villafamés (Castellón).

Entre las series que hasta el 11 de enero podrán verse en la sala destaca la dedicada a Cézanne -inspirada a partir de un cañamazo de petit point con la imagen de uno de sus bodegones-, así como sus naturalezas muertas en las que las frutas acaban por desligarse del tema para ser las protagonistas. Asimismo, la muestra reserva espacio para piezas más inesperadas, como una serie de dibujos que realizó casi en un acto inconsciente mientras, enganchado al teléfono fijo, divagaba con familiares y/o amigos.

Con motivo de la exposición, el artista nos abre las puertas de su estudio. Con 89 años sigue pintando, como demuestra el lienzo en un caballete que queda a su espalda, con una de las composición no figurativa en la que ahora está trabajando. Allí, muy cerca del Retiro, una luz dorada baña cientos de obras colgadas...

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Levantados de buena mañana nos hemos acomodado -es un decir, jeje- sobre la esterilla, quizás podemos decir que «nos hemos acolchado», con la idea de poner en práctica la rutina de posturas que Raquel ha preparado para que se adapte a mi bisoñez yóguica. Y sin excusas me he dejado llevar, a pesar de la pereza que me da ponerme a hacer retorcimientos tan de primera mañana.
Lo he gozado. Eh, y no tenemos que olvidar el sufrimiento originado en las agujetas inesperadas que florecen en zonas inexploradas; pero bueno... bien.
He pasado a limpio las anotaciones a mano alzada que ha escrito y descrito la chavala, para que no se pierden en su mundo prolijo y permanezcan en el mío pretendido como paradigma del orden cotidiano.

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[de la wiki]
Henry Darger (abril de 1892 - abril de 1973) fue un escritor e ilustrador estadounidense de carácter reclusivo que vivió como un desconocido en Chicago trabajando en la limpieza. Su mayor logro fue un manuscrito fantástico de 15.143 páginas titulado La Historia de las Vivians, en lo que se conoce como Los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la Rebelión de los Niños Esclavos, junto con una serie de varios cientos de acuarelas y dibujos que servían como ilustración a dicha historia. Descubierta tras su muerte, la obra de Darger se ha convertido en uno de los ejemplos más sobresalientes de arte marginal.
[fin de la wiki]
Las Vivian Girls, ilustradas con cientos de acuarelas de gran tamaño y dibujos y collages más pequeños, son siete hermanas preadolescentes, princesas, a veces representadas como hermafroditas, que luchan contra las malas acciones perpetradas por adultos sádicos y, en última instancia, las superan. En sus batallas, reciben la ayuda de varios ejércitos cristianos y también de Blengins, animales parecidos a dragones, temibles y apacibles, que son los protectores absolutos de los niños. Las ilustraciones varían desde la calma y el pastoreo hasta la brutal violencia.

Darger aparentemente no estaba satisfecho con su capacidad para dibujar la forma humana, por lo que utilizó calcos de figuras de periódicos, cómics y fotografías de revistas para ilustrar a sus heroínas, compilando un diccionario gestual que utilizó una y otra vez.

Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Illes Balears, 8 de enero de 1957) es un pintor español, próximo al neoexpresionismo.​ Su cuadro Faena de muleta fue subastado en 2011 por 4,4 millones de euros.​

Biografía

Un viaje a París en 1970 le permitió descubrir el Art Brut, estilo que dejó una fuerte influencia en las primeras obras que presentó en público. Formó parte del grupo Taller Llunàtic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios. Su vida ha transcurrido entre París, Mallorca y Malí, en este último país, concretamente en los Acantilados de Bandiagara.

Empezó a ser más conocido cuando participó en la Bienal de São Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs lo presentó; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.

En 2010, fue profesor invitado de la Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Versalles.​

Premios y distinciones

En 1986, se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988, instaló su taller en Malí, al mismo tiempo que exponía su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedicó el Centro Pompidou de París.

En el 2003, recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes de España.

En 2004, expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que exponía en el museo. En Nueva York expuso en la galería de Leo Castelli.

En 2008, expuso 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de...

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El momento álgido del día brilla con luz propia a las horas medianeras del día, cuando nos sentamos a comer en casa los tres: Raquel, Tachón y el menda lerenda. Del segundo momento álgido del día dejo nota al final...
Mañana sábado el peque cumple años y ya tiene hecho plan de celebración tranquila con su Patri; es por esto que hemos colocado la comida de celebrar en este viernes víspera.
El menú lo hemos decidido a medias entre la nena y yo. Vamos a empezar con una ensalada emplatada, en la que los protagonistas serán dos: los elementos que la componen y su disposición en el plato; hay lechuga y rúcula, hay cebolleta, hay queso Feta, tomatitos cherry pasados por la sartén y medio aguacate en taquitos, vamos, una ensalada en condiciones. Y vamos a culminar el ágape con un plato en el que se disponen un trío de preparaciones: unos jamoncitos a la Air Fryer, con flores de brócoli también horneadas, unas tiras de pimientos asados (de bote) y un buen montón de puré de patata manufacturado por mí. Una comida pantagruélica; yo les he acompañado desde mi sitio, mientras he ido sorbiendo un gazpacho de bote y un preparado de zumo de tomate con pizca de sal y media docena de gotitas de tabasco; muy rico también, jajaja.
Y alrededor de este rato ha girado el día.
Durante la mañana Raquel ha estado a sus cosas de Coordinadora y yo me he ocupado de la gestión de las compras etc.
Al dar por finalizada la comida el trío se ha disuelto de la misma: Raquel se ha ido a su clase de Meditación (que finalmente no ha ido por quedarse de cháchara en la plaza del Karlo's con la vecina Nerea, la viuda del quinto, la del amargao), Tachón ha salido disparado con sus tres regalos: un estuche de lápices a la acuarela, un caja de materiales para el blanco y negro (una de las dos que tenía yo guardadas desde hace la tira, ambas compradas en el LIDL) y otra caja de espátulas para tareas artísticas; se ha ido encantado, yo ya sé que esas cosas le molan mucho jeje.
Raquel reap...

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Picasso en Gósol: los 80 días que cambiaron la historia del arte

Una exposición en el Reina Sofía retrata cómo el viaje a una pequeña localidad catalana sacó al pintor de su bloqueo artístico y marcó el inicio del modernismo.

El verano de 1906, un joven Pablo Ruiz Picasso de 24 años viajó con Fernande Olivier a Gósol, un pueblo entonces remoto al pie del Cadí, al que solo se podía llegar tras ocho horas en mula montaña arriba. En menos de tres meses llegó a crear más de trescientas piezas –entre óleos, acuarelas y dibujos–, algunas de las cuales hoy se ven como precedentes directos de la que quizá es la obra más transformadora del siglo XX: Las señoritas de Aviñón, que pintó de vuelta a París y que lo convirtió, ahora sí, en un reconocidísimo artista.

Otto Dix (Untermhaus, cerca de Gera, Alemania, 2 de diciembre de 1891-Singen (Hohentwiel), id, 25 de julio de 1969) fue un pintor de la Nueva Objetividad y el Expresionismo alemanes.

Su trabajo pictórico abarca una gran diversidad de estilos, aunque el gran público conoce, principalmente, sus pinturas sobre la guerra. Dibujante excepcional, dejó 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que evocan la época renacentista. La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart.

PROLEGÓMENO (a modo de autoapoyo).

Si me preguntaran qué es poesía, abierta y sinceramente respondería que no lo sé, o, como mucho, y convencido de no alterar acertados aforismos de otros poetas, diría que es imaginación, quedándome, posiblemente, tan fresco. Confesado lo cual, no anida mi ánimo intenciones de definir las licencias de los últimos modernismos, sino la poesía nacida de mi inexperta pluma.
Muchos son los que consideran Obra Magna al poema que consta de seiscientos, ochocientos, mil e incluso más versos o versículos. Todo razonamiento es respetable, pero también discutible. Por significarme de alguna manera, me revelo ante el popular “Ande o no ande, caballo grande” nada más lejos de pretender con ello minimizar la magnificencia a que tal o cual poema es acreedor, antes al contrario. No obstante, permítaseme dudar en cuanto a lo acertado de su amplitud. Sabemos, la mayoría por experiencia, que, transcurridos los doscientos o trescientos primeros versos, va decayendo nuestra avidez de lectura - cuando no susceptibles de provocar fatiga- así llegamos, si no al tedio, sí al aburrimiento, y cuando ya imposibilitados de proseguir nos lo saltamos hasta sus cuatro o cinco últimas líneas, leyendo éstas por la simple curiosidad de saber en qué o cómo termina la supuesta Obra Magna. Lo peor de todo, diría el filósofo, es que apenas damos mérito a su autor.
Consecuente con lo ya escrito –principalidad por la que motivo el presente ensayo-, mis poesías, al menos las de este libro, son, intencionadamente, cortas; intencionadamente dispares unas de otras en rima, metro, cadencia, contenido…, e intencionadamente exentas de ornamento retórico y ajustadas, lo más posible, al orden sintáctico del idioma en que pensamos, hablamos y escribimos. Así, pues, y siendo más conciso, estos poemas nacidos de mi pluma en diversas épocas, los aporto en el presente libro con la intención de que conformen una miscelánea. O lo que es lo mismo: dispares entre sí sus respet...

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