David Rieff: «Hay que entender lo ‘woke’ dentro de la victoria absoluta del capitalismo»

Hendrick Avercamp fue un pintor y dibujante holandés del barroco, nacido en Ámsterdam en enero de 1585 y fallecido el 15 de mayo de 1634 en Kampen. Es considerado el máximo exponente del paisaje invernal en la pintura holandesa del siglo XVII. Avercamp era conocido como «el mudo de Kampen» porque era sordomudo.


Avercamp fue un pintor de la escuela holandesa del siglo XVII, especializado en paisajes y escenas de invierno, principalmente en los alrededores de Kampen y el río IJssel. Sus cuadros, vivos y coloridos, en formatos reducidos y variados, representan a personajes de todas las clases sociales en sus actividades cotidianas y juegos sobre el hielo. Es considerado un gran observador, con especial atención a los efectos de la luz invernal y el detallismo narrativo, aunque es probable que no visitara muchos de los lugares que representaba.

Pintó principalmente escenas invernales, así como acuarelas con campesinos y pescadores. Muchas de estas obras se conservan en la Colección Real británica.

Sus primeras obras muestran una clara influencia de Pieter Bruegel el Viejo, con detalles narrativos dentro de la tradición flamenca, como figuras en actitudes humorísticas o cotidianas. Utilizaba elementos compositivos característicos de Bruegel, como la perspectiva a vista de pájaro, horizontes altos, árboles grandes y desnudos con aves posadas, así como una progresión espacial muy marcada. Mostró además un refinado sentido del color, con uso deliberado de rosas, rojos, blancos, negros, amarillos y verdes para lograr efectos sutiles.

Sus obras datan de 1608 a 1632 y muestran pocos cambios estilísticos. Las primeras tienen un estilo más flamenco, influido por Bruegel, que Avercamp consolidó y mantuvo con éxito durante el resto de su carrera.

Probablemente se inspiró en aguafuertes de Hieronymus Cock (1507–1570), basados en diseños del Maestro de los Pequeños Paisajes y publicados en Amberes en 1559–1561, reeditados en 1601 por Theodor Gal...

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En apenas unos años, Ana Malta se ha colocado como una de las figuras revelación de las ferias de arte de nuestro país. Como parte de nuestra selección de artistas emergentes, hablamos con la artista portuguesa para descubrir cómo llegó hasta su estilo colorido y lo que persigue con la construcción de su universo.

Ana Malta (Lisboa, 1996) es una artista visual que estudió Pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Al contemplar una obra de Ana Malta, lo primero que resalta es el color: vibrante, variado, lleno de vida y caos. El color se convierte en el protagonista de su trabajo, reflejando su técnica basada en la improvisación. La artista trabaja sin preparación previa, dejando que sus emociones guíen el proceso creativo, lo que da lugar a obras únicas y auténticas.

La artista trabaja con temas cotidianos, abordándolos con un enfoque socialmente crítico. La mayoría de sus pinturas se caracterizan por la energía y libertad en la aplicación del color y la expresión, especialmente en sus lienzos de gran formato. Su trabajo es impulsivo y lleno de vida, Malta describe su proceso creativo como un diálogo entre la inquietud emocional y la estética, encontrando belleza en el caos. A través del estudio del color, patrones, composiciones y materiales, la artista juega con su inconsciente plástico y visual, transformando sus emociones en una obra que nos traspasa y nos llena de luz.

Antonio Raphael Mengs nació para ser recordado y con la sombra de la grandeza pisándole los talones desde niño. Su paso por el mundo durante el Siglo de las Luces dejó una huella decisiva, pues sentó las bases de una corriente artística entera, aunque los siglos venideros no le hicieron suficiente justicia a su nombre.

Vivió su juventud entre Dresde y Roma bajo la estricta educación de su padre -un pintor de la corte sajona-, y fue un artista muy solicitado en varias cortes europeas, convirtiéndose en el pintor oficial de Carlos III. Entre lujos, alabanzas, estetas, filosofías y una mirada permanente hacia el maestro renacentista Rafael -a quien admiró y trató de igualar durante toda su vida- Mengs se aseguró un lugar distintivo entre los grandes, sin importar los costes ni las consecuencias.

Sin embargo, su personalidad atormentada, huraña y altiva y su lengua afilada le granjearon unos cuantos enemigos en vida y también después de la muerte, lo que contribuiría a su caída parcial en el olvido durante los dos siglos siguientes, siendo relegado a las menciones superficiales en los manuales de historia del arte.

Consciente de su talento y blindado por la admiración y el reconocimiento, Mengs se tomó muchas licencias para con otros artistas. Su relación con el pintor italiano Tiepolo -con el que coincidió en la corte de Madrid- estuvo marcada por la competitividad y el desprecio, y tampoco tuvo reparos a la hora de criticar las obras de Velázquez y Murillo.

Pero su polémica más jugosa se dio dentro de su amistad con el erudito Winckelmann. Juntos sentaron las bases del Neoclasicismo y abogaron por el regreso a la estética de la Antigüedad, la admiración de la estatuaria clásica y su posicionamiento como centro del canon, de la belleza ideal y la creación artística moderna. Winckelmann es considerado como el padre fundador de la historia del arte y la arqueología moderna, pero lo que primero fue una relación de amistad e intelectualismo se co...

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Emory Douglas es el artista más reconocido y reconocible del Black Power, movimiento que durante los años 60 y 70 exigió la igualdad de derechos para la raza negra en los Estados Unidos. También fue un activista de los movimientos sociales de la época, transmitiendo de forma excelente sus ideas a potentes imágenes.

Desde joven Douglas se sintió atraído por el activismo político y social. De adolescente fue encarcelado y ahí empezó su contacto con el diseño al trabajar en las imprentas de la prisión.

Douglas fue Ministro de Cultura en el Black Panther Party (Partido de los Panteras Negras) y participó activamente en sus órganos de propaganda como principal director de arte, diseñador e ilustrador, creando verdaderos iconos visuales.

Una época de revoluciones como los años 60 y 70 estaba marcada también claramente por una revolución visual y artistas como Emory Douglas quisieron ante todo transmitir un mensaje mediante imágenes reconocibles (una fuente clara de imágenes fue la cultura popular, por lo que no sería descabellado englobar a Emory Douglas dentro del Pop-Art, como crítica feroz al capitalismo, aunque sin ningún tipo de ambigüedad en cuanto a conceptos ideológicos, algo con lo qur jugaba el movimiento).

El estilo de Douglas se caracteriza por su colorido y en cuanto a soporte utilizó diversas técnicas, desde la más gráfica al collage, con imágenes en las que mostraba de forma muy subversiva escenas violentas de brutalidad policial (sus policías cerdos son icónicos), lucha de clases, racismo en la sociedad, dignidad del tercer mundo o los 10 Puntos de los Panteras, que incluía servicios sociales y vivienda digna para todo el mundo (blanco o negro).

Douglas comprendió a la perfección el poder de las imágenes para comunicar ideas y logró construir una mitología visual del poder para los marginados e injustamente tratados. Muchos lo consideraron el Norman Rockwell del gueto y si no fuera por él muy probablemente no tendríamos a ...

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Van der Graaf Generator es un grupo de música del rock progresivo inglés de los años 1970. Fueron los primeros artistas que firmaron para la compañía Charisma Records. La banda alcanzó un considerable éxito en Italia y es considerada un grupo de culto.

Las principales características de Van der Graaf Generator (VdGG) eran la combinación de la voz dinámica de Peter Hammill y los saxofones tratados electrónicamente de David Jackson, generalmente sobre pistas de diversas clases de teclados (como el órgano Hammond o el clavinet de Hohner). Los discos de VdGG tendieron a ser de una atmósfera más oscura que otros grupos de música progresiva (un título que compartieron con King Crimson, cuyo guitarrista, Robert Fripp, aparece en dos de sus álbumes), aunque los solos de guitarra son una excepción en vez de una regla.

Hammill era el principal letrista del grupo y, a menudo, la línea entre la música escrita para su carrera de solista y para su banda era difusa.

El nombre del grupo está basado en un equipo eléctrico diseñado para producir electricidad estática, el Generador de Van de Graaff.​ El nombre fue sugerido por uno de los primeros miembros del grupo, Chris Judge Smith. El error ortográfico fue accidental.

{de la wiki}
Air es una banda francesa de música electrónica, compuesta por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. La banda se formó en 1995. Han sido altamente aclamados por la crítica, especialmente con su primer LP, llamado Moon Safari.

Aunque Air es considerada una banda de música electrónica o downtempo, realmente su sonido se basa en sonidos de sintetizadores de artistas de la década de los 70, como Jean-Michel Jarre y Vangelis. Otras influencias citan a la banda psicodélica Pink Floyd, los músicos de Krautrock Tangerine Dream y el músico francés Serge Gainsbourg. Ocasionalmente incluyen toques de jazz.

Historia

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Viernes, 11:00 de la mañana, Instituto Goethe. Es una agradable mañana de septiembre en una de las zonas más señoriales de Madrid, pero Hartmut Rosa se siente como el ejemplo vivo de la teoría de la aceleración que le lanzó a la fama hace 20 años. Mientras se sienta con El Confidencial, recuerda que apenas lleva un día en Madrid, pero ya ha dado dos charlas, ha tenido una cena, se dispone a dar su primera entrevista y por la tarde estará pinchando heavy metal. A las siete de la mañana del día siguiente saldrá camino a Barcelona. Entre medias, habrá conocido a decenas de personas cuyos nombres no recordará.

El del catedrático de Sociología en la Universidad de Jena y director del Centro Max Weber se ha convertido en uno de los nombres más citados en las facultades de filosofía durante los últimos años, como recordó su compinche de pinchada, Ernesto Castro. Quizá desde la publicación de Tardomodernidad en crisis o Remedio a la aceleración, publicados por NED Ediciones, o antes, con Alienación y aceleración (Katz) o Lo indisponible (Herder). Es el último gran representante de la teoría crítica contemporánea, el heredero de Max Weber y Theodor Adorno.

La teoría de la aceleración podría sintetizarse como esa paradoja tan contemporánea por la que cuanto más tiempo podemos ahorrar gracias a la tecnología, más estresados, acelerados y quemados nos sentimos. La metáfora por excelencia es la de un hámster en su rueda. Cuanto más rápido corre, más difícil le resulta bajar porque terminaría aplastado por la rueda. Y Rosa, ¿nunca ha deseado parar y bajarse de todo? “Podría, claro, si hubiese dicho que no a esta entrevista no me hubiese muerto y podría haber seguido con mi trabajo académico”, sonríe. “Pero no sería lo correcto en este contexto”.

A menudo, prosigue, le han reprochado incurrir en lo que critica. Pero la aceleración no es una elección personal sino una característica del tardocapitalismo, y él no es un defensor de lo slow. “Hay una conciencia ...

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El suelo de la casa-estudio de Alfredo Alcain es testigo de su creación. Es de baldosas hidráulicas, con estampados tradicionales castizos como los escaparates que tanto le gustaba inmortalizar. Un suelo que accidentalmente ha hecho suyo y que ahora está repleto de gotas de pintura. Los motivos en el suelo de otra de las estancias se pueden reconocer en uno de sus bodegones; uno construido como en bajo relieve y cuyas frutas brillantes parecen resbalar más allá del marco. Porque para un artista como Alcain, la creatividad se encuentra hasta en lo más cotidiano: en el cartel de un comercio tradicional, en los motivos de un papel pintado, en un objeto encontrado en la calle e incluso en los restos de madera sobrante tras otras de sus creaciones.

Casi 160 piezas dan forma a la gran retrospectiva con la que la sala Alcalá 31 le rinde homenaje. La exposición reúne pinturas, esculturas, collages y dibujos que permiten recorrer toda una vida entregada al arte y la creación. Incluye además una pieza audiovisual dedicada a un altar que el artista instaló en 1970, en el Museo de Arte Contemporáneo Vicente Aguilera Cerni, en Villafamés (Castellón).

Entre las series que hasta el 11 de enero podrán verse en la sala destaca la dedicada a Cézanne -inspirada a partir de un cañamazo de petit point con la imagen de uno de sus bodegones-, así como sus naturalezas muertas en las que las frutas acaban por desligarse del tema para ser las protagonistas. Asimismo, la muestra reserva espacio para piezas más inesperadas, como una serie de dibujos que realizó casi en un acto inconsciente mientras, enganchado al teléfono fijo, divagaba con familiares y/o amigos.

Con motivo de la exposición, el artista nos abre las puertas de su estudio. Con 89 años sigue pintando, como demuestra el lienzo en un caballete que queda a su espalda, con una de las composición no figurativa en la que ahora está trabajando. Allí, muy cerca del Retiro, una luz dorada baña cientos de obras colgadas...

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Curtis Yarvin: “Se necesita una dictadura corporativa para reemplazar a una democracia moribunda”

En el último año, el pensador provocador ha dejado de ser una figura marginal de la llamada “Ilustración oscura” para instalarse en el centro de la guerra ideológica estadounidense como oráculo del ‘MAGA universe’

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